PLACEBO waren Mitte der Neunziger nicht einfach nur eine weitere Indierockband. Während der Britpop seine Männlichkeitsrituale pflegte, stellte sich das Trio mit androgyner Ästhetik, offen verhandelter Sexualität und Songs über Entfremdung und Exzess quer. Brian Molko provozierte die festgefahrene Rockwelt nicht zuletzt dadurch, dass er sich deren Regeln schlicht nicht unterwarf. Dass die Band heute zu den prägenden Figuren einer queeren Rockgeschichte zählt, ist deshalb mehr als ein nachträglich verliehenes Gütesiegel.
Umso irritierender ist es, wenn ausgerechnet die Ansagen des Abends die Musik zeitweise in den Hintergrund drängen. Per Leinwand und Durchsage bittet Molko das Publikum, die Smartphones stecken zu lassen und den Moment lieber unmittelbar zu erleben. Ein nachvollziehbarer Wunsch, zumal die ewigen Handydisplays inzwischen tatsächlich zu den lästigsten Begleiterscheinungen von Großkonzerten gehören. PLACEBO lassen die Ansage allerdings von der Security mit Taschenlampen durchsetzen. Wer trotzdem filmt, wird geblendet, im Zweifel aus der Menge gezogen. Das hat etwas von Klassenfahrt mit strenger Aufsicht und wirkt bei einem Publikum, dessen Angehörige vielfach selbst mit den Songs der Neunziger erwachsen geworden sind, reichlich bevormundend.
Auch Molko selbst scheint an diesem Abend nicht unbedingt auf Harmonie aus zu sein. Ein Zuschauer auf der VIP-Tribüne macht offenbar irgendwelche Zeichen, woraufhin der Sänger ihn vor versammelter Halle wüst beschimpft. Was genau vorgefallen ist, bleibt unklar. Dass Molko anschließend mit ein paar Scherzen die Stimmung retten möchte, funktioniert nur bedingt. Ein wenig Reibung gehört bei PLACEBO natürlich zum Programm. Doch zwischen der einstigen Lust an der Provokation und dem Auftreten eines beleidigten Rockstars liegt ein Unterschied.
Dabei hätte die Musik genügend Anlass geboten, sich auf das Wesentliche zu konzentrieren. Das Set wechselt zwischen Songs des selbstbetitelten Debüts und „Without you I’m nothing“ und führt damit zurück in jene Phase, in der PLACEBO ihren unverwechselbaren Sound aus melancholischen Gitarrenlinien, treibenden Rhythmen und dieser unverkennbaren, zugleich verletzlichen wie distanzierten Stimme entwickelten. Mal melancholisch und beinahe entrückt, mal mit ordentlich Druck, erinnern die Stücke daran, weshalb die Band seinerzeit weit mehr war als ein schnellebiger Gegenentwurf zum Britpop.
Dabei sieht Brian Molko mit seinen 53 Jahren noch immer so aus, als hätte die Zeit bei ihm nur widerwillig angeklopft. Auch seine Stimme besitzt viel von jenem jugendlichen, leicht nasalen Timbre, das den frühen Songs ihren besonderen Charakter und ihre Schwere verlieh. Bassist Stefan Olsdal setzt mit Latex-Oberteil optische Akzente, während zusätzliche MusikerInnen an den Saiteninstrumenten, am E-Piano und bei den Backing Vocals das Trio erweitern. Der Sound allerdings wirkt insgesamt etwas basslastig, und die große Halle tut ihr Übriges, um die Distanz zwischen Bühne und Publikum spürbar zu machen. In den vorderen Reihen gehen die Fans durchaus mit, dahinter wird eher konzentriert geschaut als ausgelassen gefeiert. Das mag zur melancholischen Grundstimmung passen, lässt den Abend aber auch erstaunlich statisch wirken.
Als Molko einen neuen Song vom kommenden Album ankündigt, hält sich die Begeisterung zunächst in Grenzen. Der Sänger fragt nach, ob das Publikum wirklich neues Material hören möchte. Dabei ist „Helen Keller“ durchaus ein Lichtblick: Zwischen Synthesizerflächen, verzerrten Gitarren und vorwärtstreibendem Schlagzeug blitzt eine andere, etwas hellere Seite der Band auf. Dass ausgerechnet der neue Song zum Ende des regulären Sets für einen kleinen Perspektivwechsel sorgt, ist ein schöner Kontrapunkt zum nostalgischen Rückblick.
Zum Schluss geht es mit „Nancy boy“ noch einmal zurück zu den Anfängen. Olsdal begibt sich in den Fotograben und sucht die Nähe zum Publikum – eine Geste, die in der riesigen Halle beinahe mehr Nähe herstellt als die gesamte Smartphone-Erziehungsmaßnahme zuvor. Und plötzlich ist sie wieder da, diese aufgeladene Energie, mit der PLACEBO einst aneckten und sich ihren Platz in der Rockgeschichte erkämpften.

Ein rundum überzeugender Abend war das letztendlich leider nicht. Die Songs sind stark genug, um die Jahre zu überstehen, doch ihre einstige Dringlichkeit kommt nicht immer zur Geltung. Dazu eine Band, die sich mitunter selbst im Weg steht. Aber ein Verriss wäre hier trotzdem fehl am Platz: Wenn PLACEBO ihre melancholischen Gitarren aufdrehen und Molkos Stimme über die vertrauten Melodien gleitet, blitzt noch immer etwas von jener Unruhe auf, die diese Band vor 30 Jahren so besonders machte. Nur hätte man sich gewünscht, dass an diesem Abend die Musik öfter das letzte Wort behält.

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So richtig Fahrt nahm das Festival für mich aber erst mit SOFT LOFT in der wunderschönen Katharinenruine auf. Unter freiem Himmel fiel für die Schweizer Band der Festivalabschluss mit dem eigenen Tourauftakt zusammen, was angesichts des nasskalten Wetters für einige humorvolle Kommentare auf der Bühne sorgte. Die Setlist bot eine gelungene Mischung aus ihren bisherigen zwei Alben. Sängerin Jorina Stamm begeisterte mit ihrer großartigen Stimme und wurde bei zwei Songs – darunter das wunderschöne „Little less“ – vom Nürnberger INDIEKNEIPECHOR unterstützt. Wenn alles glattläuft, werden wir diese Band bald in deutlich größeren Venues sehen – völlig zu Recht, denn so mitreißende Popsongs schüttelt man nicht mal eben aus dem Ärmel.
Weiter ging es zu LICHTSCHUTZFAKTOR 4, einer lokalen Zwei-Mann-Combo aus Nürnberg. Sie spielten in der Weinerei, die bereits restlos überfüllt war (was wohl auch daran lag, dass man hier kein Festivalbändchen brauchte). Das Reinquetschen hat sich allerdings kaum gelohnt, denn der Sound war leider gar nicht gut. Die Band ließ sich die Laune jedoch nicht verderben und feierte ihren Elektro-Punk, den ich eigentlich sehr mag. Nach zwei Songs war für uns erst einmal Schluss und wir zogen weiter – wobei das ‚Wir‘ an diesem Wochenende dynamisch war: mal war ich mit mehreren Leuten, mal war ich alleine unterwegs.
Als Nächstes steuerten wir die gegenüberliegende Galerie Ostermayer an, wo den ganzen Abend Rap-Acts auf dem Programm standen. Dort machten wir direkt eine großartige Entdeckung: KII, einen Rapper aus dem oberfränkischen Hof. Schon beim ersten Track „Wetten dass..?“ fühlte ich mich an APSILON erinnert. Über melancholischen, treibenden Klangteppichen rappt KII extrem smooth und präzise. Neben „Wetten dass..?“ blieb mir vor allem der Song „Sanduhr“ im Kopf – beide laufen seitdem in meiner Playlist.
CARI CARI aus Österreich haben wir im Anschluss leider verpasst; die Schlange vor der Katharinenruine war uns einfach zu lang. Das war im Nachhinein aber gar nicht so tragisch, denn die App „Clashfinder“, mit der man sich seinen Festival-Timetable zusammenstellt, bescherte mir einen glücklichen Zufall. Den Auftritt von PERSONAL TRAINER hatte ich wegen einer Überschneidung eigentlich schon abgeschrieben. Da der Zeitslot in der App jedoch fehlerhaft eingetragen war, konnte ich – dank des Tipps eines Freundes – doch noch vier Songs im Zentralcafé miterleben. Und das war ein echtes Erlebnis: Die Band aus Amsterdam macht im weitesten Sinne Indie-Rock, und der Sänger erwies sich als absolute, aber nicht unangenehme Rampensau, die sich völlig verausgabte.

Nach einer kurzen Pause zog es uns zu JUGO ÜRDENS in den großen Festsaal des Künstlerhauses. Da seine Musik vor Kurzem im Urlaub häufig im Mietwagen lief, war der Besuch quasi Pflicht. Songs wie „Sonntag im August“, „Dumm“ oder „Kopf Hoch“ sind einfach fantastische Banger zum Mitsingen – ganz ähnlich wie bei BIBIZA, der wie JUGO ÜRDENS ebenfalls aus Österreich stammt. Live hinterließ der Auftritt allerdings gemischte Gefühle. Die Musik kam bis auf wenige Ausnahmen komplett vom Band, phasenweise sogar die Vocals. Als er zum Schluss dann vier Songs wiederholte beziehungsweise in einer beschleunigten Rave-Variante spielte, blieb ich etwas ratlos zurück. Das hat mir die Tracks zwar nicht komplett vermiest und ich hatte durchaus meinen Spaß, aber ein fader Beigeschmack blieb.
Die Wartezeit bis zum Auftritt von SPRINTS überbrückten wir mit einem Abstecher in die Kulturkellerei zu ROSENKAVALIER, ohne genau zu wissen, was uns erwartet. Der Keller war bereits dicht gedrängt voller Fans. Als der selbsternannte ROSENKAVALIER (sein bürgerlicher Name ist ein Geheimnis) im Leopardenmantel die Bühne betrat, rastete die erste Reihe komplett aus. Mit einer gehörigen Portion Schmalz wurden selbstironische Schlager zum Besten gegeben – wobei ich mir bis heute nicht ganz sicher bin, ob das Projekt nicht vielleicht doch ernst gemeint ist. Drei Songs reichten uns dann allerdings. Dem Publikum hat es jedenfalls gefallen, was sich auch am Merch-Stand zeigte: Ich glaube, kein anderer kleiner Act hat an diesem Wochenende mehr verkauft.
Dann folgten SPRINTS aus Irland, die ich dieses Jahr schon auf dem Traumzeit-Festival sehen durfte. Deshalb halte ich mich hier kurz: Zu Beginn hatte ich das Gefühl, die Band spiele mit angezogener Handbremse; sie wirkte nicht vollends motiviert. Dennoch gab es gewohnt kompromisslosen Punkrock auf die Ohren – eine wohltuende Abwechslung auf einem Festival wie dem Nürnberg Pop, auf dem harte Gitarrenklänge eher die Ausnahme bilden. Zum Abschluss des Freitags ging es noch zu RÉMI.FR in die proppenvolle Kunsthalle. Irgendwo zwischen Disco, Pop und HipHop gab es mal mehr, mal weniger starke Songs zu hören. Die Menge feierte es, ich musste jedoch langsam die Segel streichen und machte mich auf den Heimweg.

Einigermaßen erholt startete der Samstag für mich bereits um 14 Uhr. Der Popjournalist Linus Volkmann (u. a. Musikexpress) begrüßte bei seiner kleinen Pop-Revue drei musikalische Gäste: MINA RICHMAN, GRINGO MAYER und Jonas Schubert von OK KID. Das Konzept: Linus stellte den dreien jeweils zwei Bilder zur Auswahl, zwischen denen sie sich entscheiden mussten. Jonas zeigte sich dabei sichtlich erstaunt, warum ihm Stefan Raab und Thom Yorke von RADIOHEAD gegenübergestellt wurden – er hatte offenbar völlig verdrängt, dass OK KID einst am deutschen Vorentscheid zum Eurovision Song Contest teilgenommen hatten. Er wählte schließlich Thom Yorke, da RADIOHEAD mit ihren wegweisenden Alben „OK Computer“ und „Kid A“ die Namenspaten für seine eigene Band waren. Kurz ging es auch um Fußball: Als Gießener schlägt Jonas’ Herz für Eintracht Frankfurt. Er scherzte noch, dass er es vielleicht nicht pünktlich zum eigenen Auftritt schaffen würde, da Frankfurt am Abend das Auswärtsspiel bei RB Leipzig bestritt und er das unbedingt sehen müsse. Schöne 90 Minuten waren das für ihn aber wohl nicht, denn Leipzig gewann deutlich mit 6:0. Vielleicht ganz gut, dass er die anschließende Show als Ventil für diese sportliche Enttäuschung nutzen konnte. Insgesamt war es ein extrem unterhaltsamer Nachmittag. MINA RICHMAN und GRINGO MAYER erwiesen sich ebenfalls als sehr sympathische Gäste, und Linus führte gewohnt charmant und professionell durch die Runde.
Ebenfalls spannend war das Panel „Show me the money!“. Das klein, rein ehrenamtlich geführte Rübezahl Festival und der aufstrebende Artist STREICHELT legten dort offen ihre Einnahmen und Ausgaben dar. Das bot sehr interessante und ehrliche Einblicke in die Branche – leider nur vor einer sehr überschaubaren Anzahl an Interessierten.
Danach fiel mir der Einstieg in den Samstagabend etwas schwer. Kein Act konnte mich länger als zwei bis drei Songs fesseln (darunter JULIA EFFEKT, PANICBABY sowie GRINGO MAYER UND DIE KEGELBANDE). Im Kulturgarten lief es mit PATINA RECORDS etwas besser. Die achtköpfige HipHop-Crew sorgte für ordentlich Stimmung, und ihr Song „Pasta“ markierte einen tollen Abschluss ihres Auftritts.
Auf NILS KEPPEL war ich im Vorfeld extrem gespannt, da ich nicht nur seinen Hit „Wellblech“ sehr mag. Die Band ließ allerdings auf sich warten, da sich der Soundcheck sehr in die Länge zog. Die Besucher*innen mussten ewig lange im Treppenhaus stehen, bevor sie endlich ins Zentralcafé gelassen wurden. Die Band betrat die Bühne schließlich in fast völliger Dunkelheit und begann mit einem düsteren, langsamen Song, was eine spürbar gespannte Atmosphäre im Raum erzeugte. Meiner Meinung nach baute die Band im Anschluss jedoch nicht auf dieser Stimmung auf. NILS KEPPEL gab den theatralischen Frontmann, was mir persönlich etwas zu „over the top“ war. Versteht mich nicht falsch: Es war kein schlechter Auftritt, aber gerade nach dem atmosphärischen Beginn hatte ich mir einfach mehr erhofft. Wegen der Verzögerung und weil ich pünktlich bei OK KID sein wollte, verpasste ich zu allem Überfluss auch noch mein geliebtes „Wellblech“.

Auch OK KID legten in der altehrwürdigen Katharinenruine bei nebliger Dunkelheit mit „Hoffnung stirbt“ sehr atmosphärisch los, nur um kurz darauf mit „Rave On“ den absoluten Kracher des neuen Albums auszupacken. Ab da herrschte pure Partystimmung. In den folgenden 50 Minuten ließ die Band nichts anbrennen und feuerte ein Potpourri ihrer bekanntesten Songs ab. Mir persönlich gefiel „Stadt ohne Meer“ – die großartige Hommage an ihre Heimatstadt Gießen – am besten. Als ich die Katharinenruine zehn Minuten vor dem Ende verließ, standen draußen immer noch Menschen an, um überhaupt noch reinzukommen. Wahnsinn.
Warum ich früher gegangen bin? Weil ich unbedingt YNDLING aus Norwegen sehen wollte. Im Vorfeld hatte ich ihren Song „It’s almost like you’re here“ unzählige Male gehört und wollte die Band keinesfalls verpassen. Stilistisch würde ich sie irgendwo zwischen Dream-Pop und Shoegaze einordnen. Im Club Stereo war es glücklicherweise nicht ganz so voll, sodass ich mich in die erste Reihe schleichen konnte. Richtig konzentrieren konnte ich mich dort allerdings nicht: Neben mir stand eine Frau, die die Sängerin mit ihrem Handy fast die ganze Zeit über aus nächster Nähe (wir reden von etwa 15 Zentimetern) fotografierte und filmte – absolut respektlos. Da meine bösen Blicke nichts bewirkten und ich die Show nicht durch eine Konfrontation stören wollte, wich ich nach hinten aus. Von dort aus konnte ich das Konzert, teils mit geschlossenen Augen, viel besser genießen. Es hat mir wirklich hervorragend gefallen – und ich hatte Glück, denn mein Lieblingssong wurde als letzter Track gespielt.

Das eigentliche Highlight des gesamten Festivals sollte jedoch erst noch folgen: ORBIT. Und was soll ich sagen? Es war schlichtweg fantastisch. Dieser verträumte, elektronische Sound hat mich komplett abgeholt. Ein Blick ins Publikum verriet, dass ich nicht der Einzige war: Man sah nur leuchtende Augen und Menschen, die von der Musik tief berührt waren. Selbst andere Acts wie NILS KEPPEL und STREICHELT standen im Publikum und waren sichtlich angetan. ORBIT ist eigentlich das Projekt von Marcel Heym, der aber längst nicht mehr allein auf der Bühne steht. An den Tasten und weiteren Instrumenten (Gitarre, Klangspiele etc.) wird er von Morlin Baginski und Luka Björk Küssner unterstützt. Zudem sind im Hintergrund viele weitere Personen in das Projekt involviert, allesamt Freunde von Marcel. Genau diese harmonische, leidenschaftliche und freundschaftliche Stimmung kommt von den Musiker*innen super rüber. Die liebevolle Dekoration aus Gräsern und zwei alten Windrädern, wie man sie aus amerikanischen Filmen kennt, unterstrich das Ganze perfekt. Und dann war da natürlich die Musik. Obwohl wahrscheinlich alles bis ins kleinste Detail durchdacht und perfektionistisch arrangiert ist, entfaltet sich live ein ungemein warmer, gefühlvoller Sound. Leider könnte dies aber vorerst der letzte Auftritt von ORBIT gewesen sein; Marcel merkte an, dass nach den vielen Konzerten seit dem letzten Album nun erst einmal eine Pause ansteht. Als sich die Band und viele ihrer Freunde nach dem Konzert auf der Bühne in den Armen lagen, spürte man auf jeden Fall, dass hier ein wichtiges Kapitel zu Ende ging.

Mit diesem emotionalen Konzert endete auch das Nürnberg Pop Festival. Insgesamt ziehe ich ein sehr positives Fazit. Den Macher*innen gebührt ein riesiges Lob: Die vielen verschiedenen Bühnen logistisch zu managen, ist eine Mammutaufgabe. Bis auf winzige Ausnahmen hat alles reibungslos geklappt, und auch das Security-Personal war durchweg extrem freundlich. Dass das Konzept eines Clubfestivals generell nicht ganz mein persönlicher Favorit ist, wusste ich schon vorher. Die Wege sind zwar nicht endlos lang, aber man überlegt sich aufgrund drohender Einlassstopps eben dreimal, ob man die Location wechselt. Auch die Getränkesituation ist logistisch knifflig: Da man keine Getränke zwischen den Clubs mitnehmen darf, verzichtet man oft ganz darauf, weil man nicht weiß, wie lange man bei einer Band bleibt. Oder man will gerade motiviert zum nächsten Act aufbrechen, während sich jemand aus der Gruppe frisch versorgt hat – schon steht man vor der Wahl, sich aufzuteilen, das Getränk zu exen oder es stehenzulassen. Für eine größere Freundesgruppe stelle ich mir das Festival daher nicht ganz unkompliziert vor.
Ebenfalls schade fand ich, dass es kein gedrucktes Programmheft oder ein kleines Faltblatt für die Hosentasche gab, das die Acts vorstellt oder zumindest den Timetable abbildet. So wanderte der Blick zwangsläufig oft aufs Smartphone. Das ist jedoch keine ideale Lösung: Der Timetable passt nicht ganz aufs Display, und in manchen Kellern schaute man mangels Internetverbindung komplett in die Röhre. Auch für die Acts selbst wäre ein kleines Heftchen eine schöne Wertschätzung. Natürlich würde das einen großen redaktionellen Aufwand bedeuten, auf der anderen Seite hätten die Sponsoren bestimmt nichts dagegen nochmal aufzutauchen.
Das ist allerdings Meckern auf hohem Niveau. Denn unterm Strich war das Nürnberg Pop 2026 definitiv wieder den Besuch wert und bot für mich persönlich das attraktivste Line-up der letzten drei Jahre. Ich bin mir sicher: Wir sehen uns 2027 wieder, Nürnberg Pop!

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BISMUT – Matsutake (Label: Tonzonen Records, VÖ: 24.04.2026)
(jg) Instrumentaler Metal/Post-Rock aus Nimwegen mit psychedelischen Exkursen und Songlängen von bis zu neun Minuten. Dass es sich bei „Matsutake“ um einen Speisepilz und nicht um Magic Mushrooms handelt, sei an dieser Stelle nur kurz erwähnt – die Musik und die bewusstseinserweiternde Optik des Vinyls könnten durchaus anderes vermuten lassen. Wobei BISMUT eben nicht nur nach Psychedelic klingen. Fühlt man sich in einem Moment noch an MASTODON erinnert, könnte eine andere Stelle auf der Platte problemlos Naturaufnahmen aus Japan untermalen. Schräge Kombi, in sich aber absolut stimmig. Und so läuft man auch nicht Gefahr, irgendwann wegzudösen.
https://bismut.bandcamp.com/

BLACK MODE REVIVAL – One (EP) (Label: Timezone, VÖ: 18.09.2026)
(so) Entschuldigung, aber beim ersten Track musste ich denken: „Meinen die das ernst, dieses naaa, naaa, naaa?“ und musste feststellen, dass ja. Danach wird der Song zwar noch etwas besser und geht in Richtung Tarantino-Soundtrack, aber schon der zweite ist dann wieder so repetitiv, dass es wirklich langweilig wird. Ja, ja, wir lassen dich schon nicht down, keine Sorge. Insgesamt versammeln sich auf „One“ vier Songs, die alle ganz gut (so irgendwie) zu einem Actionfilm aus den 70ern passen könnten, aber auf eine seltsame Art unausgereift wirken, als wären die Instrumente und die Stimme geixt worden. Gitarrenmusik für Freund:innen eben solcher Actionfilme, würde ich sagen.
https://blackmoderevival.com

C’MON TIGRE – Lumina (Label: CMT, VÖ: 02.10.2026)
(so) Es gibt ja doch immer recht viel Musik, die sich dem Themenbereich „anstrengend“ unterordnen lässt. „Lumina“ reiht sich in diese Phalanx ziemlich locker-flockig ein. Für C’MON TIGRE öffnet sich die Schublade „anstrengende Elektronik“ sehr weit, lässt aber auch noch ein bisschen Platz für verquere Ethnospielereien. Musik, wie sie auf dem Kampnagel-Festival sicherlich eine große Menge an Freund:innen finden dürfte. Ich muss mal wieder feststellen, dass mein musikalischer Intellekt für derartige Alben einfach nicht ausreicht. Wenn sich „Lumina“ mehr in Richtung Breakbeat von APOLLO 440 o.ä. entwickelt hätten, dann hätte ich sicherlich lauter dafür getrommelt.
https://cmontigrek7.bandcamp.com/album/racines

DAVID MOSS – Full house (1984) & Dense band (1985) – Remastered (Label: Yatak Records, VÖ: 07.08.2026)
(jg) Wer sich fragt, was Anfang der Achtziger in der New Yorker Downtown-Szene eigentlich so los war, bekommt hier eine ziemlich kompromisslose Antwort. DAVID MOSS versammelt auf „Full house“ und „Dense band“ unter anderem FRED FRITH, ARTO LINDSAY, JOHN ZORN, CHRISTIAN MARCLAY und BILL LASWELL und lässt sie gemeinsam Dinge tun, die sich nur bedingt als Musik im klassischen Sinn bezeichnen lassen. Freie Improvisation, Noise, experimentelle Percussion, Stimme, Feedback und allerlei Geräusche treffen aufeinander, manchmal völlig durcheinander, manchmal überraschend groovend.
Vor allem „Dense band“ zeigt, dass Moss durchaus an etwas dachte, das man mit viel gutem Willen als Songs bezeichnen könnte. Seine Idee von Noise-Musik, zu der man tanzen kann, ist jedenfalls nicht völlig aus der Luft gegriffen. Das Problem: Bis dahin muss man erst einmal kommen. Denn diese beiden Alben sind teilweise schon ziemlich anstrengend. Wer nicht gerade täglich mit Würggeräuschen, Hämmern in einem Besteckfach und anderen akustischen Zumutungen seinen Alltag gestaltet, braucht womöglich ein paar Anläufe. Für alle anderen: faszinierendes Dokument einer Zeit, in der in New York offenbar wirklich alles ausprobiert werden musste.
https://david-moss.bandcamp.com/

FLORE LAURENTIENNE – Volume III (Label: , VÖ: 10.04.2026)
(ed) Kennt noch jemand den Film „Jenseits der Stille“ aus dem Jahr 1996? Genau daran musste ich denken, als ich mir FLORE LAURENTIENNE mit „Volume III“ angehört habe. Auch wenn die Klarinette hier keine Rolle spielt, erinnert mich das rein instrumentale Album mit seinen klassischen Instrumenten wie Violine und Harfe an den Film aus den 90ern. Das Ganze ist ein wunderschöner warmer Sound, wie ein Klangteppich zum Reinlegen. Manchmal wird es aber auch opulenter, und man kann sich gut vorstellen, wie Komponist und Keyboarder Mathieu David Gagnon das mit seinen sechs Mitmusiker:innen auf die Bühne bringt. Das ist bestimmt großes Kino, um in der Filmsprache zu bleiben. Mathieu selbst spielt dabei hauptsächlich den Mini Moog. Die Sounds des Synthesizers fügen sich brillant ein und ergeben zusammen mit den klassischen Instrumenten ein harmonisches Zusammenspiel. Wer auf klassische Musik und/oder Filmmusik steht, sollte bei FLORE LAURENTIENNE unbedingt mal reinhören.
https://florelaurentienne.bandcamp.com/

OLLI & THE LONDON RADIO POP ORCHESTRA – Life on Rennes (Label: , VÖ: )
(ed) Mit „Life on Rennes“ legt der französische Künstler Olivier Leroy (Olli) eine cineastische Liebeserklärung an seine Wahlheimat Rennes vor. Auf den insgesamt elf Titeln des Albums – fast alle aus seiner eigenen Feder – verschmelzen opulente Streicher-Arrangements, klassisches Piano und große Pop-Melodien. Dieses Werk ist keine Musik für nebenbei: Um komplett in die dichten Klangwelten abzutauchen, sollte man sich bewusst Zeit nehmen. Erst unter dem Kopfhörer entfaltet das Album seine volle emotionale Wirkung und lässt den Hörer die Zeit vergessen. Während die gelegentlich eingestreuten elektronischen Sounds fast schon ablenken und für mich nicht zwingend nötig gewesen wären, glänzt das Album in den reduzierten Momenten. Bestes Beispiel hierfür ist die packende Neuinterpretation des THE SMITHS-Klassikers „There is a light that never goes out“, die zeigt, wie stark diese Musik ist, wenn sie sich auf das Wesentliche konzentriert.
https://soundcloud.com/ollithelondonradiopoporchestra

PORNSCARS – Victimless crimes (Label: Smith & Miller Records, VÖ 05.06.2026)
(bc) Was die PORNSCARS aus Berlin auf „Victimless crimes“ abliefern, würde ich mal als Garage Punk mit ADHS-Tendenzen bezeichnen. Hektische Songs und eine innere Rastlosigkeit treffen auf Texte, die sich vorwiegend mit den dunklen Seiten der menschlichen Seele befassen. Und immer wenn man denkt, das Ritalin fängt gerade an zu wirken, wird man doch noch eines Besseren belehrt – wie etwa in „Party in prison“, das mit einer beschwingten Offbeat-Strophe beginnt, ehe der Song plötzlich in einen Breakdown-Refrain kippt. Insofern verhält es sich bei diesem Album wie mit einem guten Horror-Film: Nichts für schwache Nerven, aber spannend ist es allemal.
https://pornscars.bandcamp.com

REINHARD LAKOMY – Aër (Label: Lacky Music, VÖ: 28.08.2026)
(jg) Noch gar nicht so lange her – etwa ein Vierteljahr –, dass ich bei Blueprint mit REINHARD LAKOMY eine Ikone der DDR besprochen habe. Nun also schon die nächste Wiederveröffentlichung aus seinem Backkatalog: das 1991 erschienene Elektronik-Album „Aër“. Im Vergleich zum Live-Album „Palastkonzert“ fällt es stilistisch natürlich anders aus, ist dadurch aber auch weniger avantgardistisch und deutlich nahbarer. Dabei grenzt sich Lakomy bewusst von der klassischen Berliner Schule ab und verbindet Synthesizer mit orchestralen Klangvorstellungen. Mehr JEAN MICHEL JARRE als TANGERINE DREAM-Klon.
https://www.traumzauberbaum.de/

SAUVAGEONESS – A maze deep in (Label: Eigenregie, VÖ: 22.05.2026)
(so) Es gibt ja doch immer recht viel Musik, die sich dem Themenbereich „anstrengend“ unterordnen lässt. „A maze deep in“ reiht sich in diese Phalanx ziemlich locker-flockig ein. Habt ihr heute schon mal gelesen? Na, das beweist doch, dass ich recht habe. SAUVAGEONESS sind aber anders anstrengend als C’MON TIGRE. Nicht nur aufgrund der schweren Gitarren, nein, auch der irgendwie verhuschte Gesang stressen ordentlich. Als würde ein Doom-Gewitter über einem herabrauschen, dazu läuft der Staubsauger auf Hochtouren und die Tochter des Hauses singt die Lyrics ihres Lieblingsliedes falsch mit. Das ist sicherlich Kunst, aber sicherlich nichts für mich.
https://sauvageoness.bandcamp.com/album/a-maze-deep-in

SCHNECKENKÖNICH – Alright (Label: , VÖ: 14.06.2026)
(jg) Erdiger, angenehm staubiger Mix aus Americana, Bluesrock, Soul und Classic Rock mit deutlicher 60s/70s-Schlagseite. Ich gebe zu, dass ich mir selten mit einer Veröffentlichung von Sounds of Subterrania so schwer getan habe wie mit dieser. Und wo ich mich ständig gefragt habe, welchen Bezug Gregor dazu haben mag. Er spricht im Info selbst von „Arbeiter Hippie Rock“ und „aus der Zeit gefallenen, unprätentiösem Straßenrock“. Dazu dieses merkwürdige Knetfiguren-Artwork und dieser seltsame Bandname. Irgendwie passte hier in meinen Augen rein gar nichts zusammen, jedenfalls nichts auf der gemeinsamen Geschmacksebene. Vielleicht hat Gregor recht, als er weiter unten im Info sagt, dass es diese Band hierzulande schwer hat, weil sie so puristisch daherkommt und Pubrock in Deutschland nicht so richtig in der Gesellschaft angekommen ist. Während ich an dieser Rezension schrieb, hörte ich das Album komplett durch. Und plötzlich musste ich mir eingestehen: Die Stimme hat durchaus etwas, die Gitarren sitzen, und auch die Produktion funktioniert erstaunlich gut. Am Ende ertappte ich mich sogar dabei, wie mein linker Fuß anfing mitzuwippen. Vielleicht schaue ich einfach mal im Pub vorbei, wenn der SCHNECKENKÖNICH in Hamburg Station macht.
https://soundsofsubterrania.bandcamp.com/album/alright

SIYOU – About me (Label: 36Music, VÖ: 10.07.2026)
(jg) SIYOU verbindet Soul, Gospel, Pop und Jazz mit ihrer sehr präsenten, ausdrucksstarken Stimme. Eher organisch und spirituell als glatt produzierter Soul-Pop, mit ruhigen, persönlichen Songs ebenso wie groovigeren Nummern. Wobei der in Kamerun geborenen und in Ulm verwurzelten Sängerin auch ihr christlicher Glaube wichtig ist – der Name „Siyou“ bedeutet schließlich so viel wie „von Gott gehört“. ARETHA FRANKLIN, LAURYN HILL und ANGÉLIQUE KIDJO sind insofern nur grobe musikalische Bezugspunkte. SIYOU geht es weniger um bloße Stilübungen als darum, persönliche Erfahrungen und ihren Glauben in ihre Musik einfließen zu lassen.
https://siyou.bandcamp.com/

SMOKEMASTER – In the temple (Label: Tonzonen Records, VÖ: 19.06.2026)
(jg) Vielschichtiger Psychedelic Rock aus Köln mit 60s-Flair, Neo-Psych-Soundscapes und entspanntem 70s-Pop. Dass die Aufnahme stellenweise auch mal etwas schief klingt oder in „Sounds from the ether“ ein wenig „leiert“, geschieht hier aus Authentizitätsgründen natürlich ganz sicher nicht versehentlich. Zwischen THE STONE ROSES, KING GIZZARD, COLOUR HAZE, THE DOORS und TEMPLES – verspielt, verträumt und angenehm hypnotisch. Ich schalte die Lavalampe schon mal ein.
https://smokemaster.bandcamp.com/

VIBRAVOID – A reason for now (Label: Tonzonen Records, VÖ: 18.09.2026)
(jg) Optisch beim bunten Vinyl und auch musikalisch gibt es bei VIBRAVOID ein paar Parallelen zu BISMUT (siehe oben). Die Metal-Komponente fällt bei den Miterfindern des Neo-Krautrock allerdings gänzlich weg. Stattdessen bleiben die Düsseldorfer ihrem Weg treu, den sie nun seit mehr als 35 Jahren und mit über 20 Alben gepflastert haben: Psychedelic-Space-Rock mit klarer Orientierung an der Klangwelt von 1966–68. Viel Fuzz, viel Hall, dazu Sitar-/Orgel-artige Psychedelik und tanzbare Krautrock-Grooves. KRAFTWERK und NEU! lassen dabei mit ihren monotonen, hypnotischen Beats durchaus grüßen. Ob die Relevanz von VIBRAVOID allerdings über die sehr treue, aber überschaubare Szene aus Vinyl-Sammlern, Krautrock- und Space-Rock-Fans hinausreicht, wage ich dann doch zu bezweifeln.
https://www.facebook.com/vibravoidofficial/

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Dann betrat die Band – standesgemäß im Dunkeln – die Bühne und legte nach einem schönen Intro direkt mit „Hymnus“ los, dem großartigen Opener des aktuellen Albums „Einmal mehr mit Dir gegen die Furcht“. Sofort fiel auf: Hier wird nichts dem Zufall überlassen. Der Sound war vom Allerfeinsten. Den dritten Song kündigte Sänger Tobias Siebert leicht abgewandelt an: „Nürnberg, wie schön Du bist“. So sammelt man kleine Sympathiepunkte. Nötig hatte die Band das zwar nicht, denn das Trio machte auf der Bühne ohnehin einen extrem sympathischen Eindruck. Auch nach dem Konzert am Merch-Stand nahmen sie sich viel Zeit zum Plaudern und Platten-Signieren. Tobias Siebert schrieb zudem stilecht auf jedes Album noch das Datum und die Stadt des Konzerts – eine sehr schöne Geste.

Der für mich stärkste Block im Set bestand aus „Melancholia“ und dem direkt anschließenden „Mailied“, beide vom neuen Album. Ersterer ist von der Stimmung her eher ein fröhlicher Uptempo-Song mit einem klassischen Refrain, der mit der Textzeile „Kein Sommer bleibt für immer“ jedoch schon ankündigt, wo die Reise im nächsten Song hingeht. Denn im Song „Mailied“ spürt man die bittersüße Melancholie dann so richtig. Es dauert zwei Minuten, bis der Gesang einsetzt – und diese zwei Minuten sind einfach nur wunderschön. Wenn ich mich bis zu diesem Moment um den typischen THE CURE-Vergleich gedrückt habe: Hier ist er so zutreffend, dass es nicht mehr anders geht. Mit geschlossenen Augen wusste man phasenweise nicht, welcher der beiden Bands man gerade zuhört. Aus meiner Sicht ist das vor allem ein Beleg dafür, wie verdammt gut KLEZ.E (geworden) sind.
Überhaupt muss man allen drei Musikern ein großes Lob aussprechen: Filip Pampuch am Schlagzeug spielt unaufgeregt, aber extrem präzise. Daniel Moheit an Synthesizer und Bass ist für die tragenden, sphärischen Soundteppiche zuständig. Und dass Tobias Siebert – mal an der Gitarre, mal am Bass – sein Handwerk versteht, dürfte sich in Indie-Kreisen ohnehin längst herumgesprochen haben.

Der ganze Abend war schlichtweg magisch – und lang. 21 Songs in zwei Stunden sind heutzutage eine Seltenheit. Und natürlich wurde auch „Im Herbst“ noch gespielt! War ich vor dem Konzert nur ein KLEZ.E-Sympathisant, bin ich nach diesem Auftritt zum astreinen Fan geworden.

Der Beitrag KLEZ.E – 30.09.2026, Club Stereo (Nürnberg) erschien zuerst auf .:blueprint fanzine:..